octubre 5, 2009

Tú música quedará

Publicado en Uncategorized tagged , , a 4:40 pm por mariajosearrieta

“El canto es una ceremonia de amor del artista para con el público”. Mercedes Sosa

La música popular argentina se quedó sin su máxima voz, y expresión de

Mercedes Sosa

Mercedes Sosa

un canto que llevó el más profundo mensaje de compromiso social a través del arte musical de raíz folklórica.

A los 74 años, Haydé Mercedes Sosa o “La Negra”, como se la apodaba cariñosamente, dejó este mundo para permanecer en la eternidad de cientos de personas y artistas, que desde ayer se acercaron al Salón de los Pasos Perdidos del Congreso para darle su último adiós.

Innumerables muestras de afecto y reconocimiento llegaron por parte de artistas, músicos, dirigentes políticos, actores y de la prensa nacional e internacional que quedaron conmovidos ante la noticia.

El talento inigualable de esta tucumana nacida el 9 de julio de 1935, llevó las obras musicales de este lado del mundo a que recorrieran los escenarios, y las radios de todo el planeta. La “Mecha”, se formó estéticamente dentro del Movimiento del Nuevo Cancionero, una corriente renovadora del folclore, surgida en la provincia de Mendoza y que compartió con Armando Tejada Gómez, su esposo Manuel Oscar Matus y Tito Francia. Desde entonces, con el debut discográfico con “Canciones con fundamento” (1965) y con la magia de su canto, consiguió hacer conocer y trascender un repertorio nuevo y socialmente comprometido, que atravesó todas las generaciones.

Su voz brillante transmitió las penas del pueblo a través de canciones como “Canción con todos”, “Cuando tenga la tierra” y “La Navidad de Juanito Laguna” y los discos “Homenaje a Violeta Parra” y “Hasta la victoria”. Su canto fue la voz de la libertad, en un momento en que la opresión y el silencio reinaban en una Argentina atrapada por la oscuridad de la Dictadura. Esta posición la llevó a exiliarse primero en París y luego en Madrid, hasta el año 1982.

Compartió recitales con sus amigos con León Gieco, Charly García, Antonio Tarragó Ros, Rodolfo Mederos y Ariel Ramírez y que quedaron plasmados en el álbum “Mercedes Sosa en Argentina”. 

Como buena madre de la música nacional, acompañó las nuevas expresiones que registraron Víctor Heredia, Teresa Parodi, Antonio Tarragó Ros, Raúl Carnota y Peteco Carabajal, entre otros. Así también se acercó a artistas del rock, participando en recitales y discos junto a Spinetta, Fito Páez, Pedro Aznar, Gustavo Santaolalla, Alejandro Lerner y David Lebón, entre una lista infinita de músicos.

De igual modo y ante una grandeza y versatilidad para adaptarse a varios géneros musicales fue convocada para compartir escenarios internacionales junto a Luciano Pavarotti, Sting, Lucio Dalla, Nana Mouskouri, Tania Libertad, Joan Baez, Andrea Bocelli, Silvio Rodríguez, Alfredo Kraus, Pablo Milanés, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Chico Buarque, Gal Costa, Nilda Fernández, Pata Negra, David Broza, Luz Casal, Cecilia Todd e Ismael Serrano.

“La Voz de América Latina”, como la denominaron los medios internacionales, fue la embajadora cultural del país ante el mundo y la mejor madrina del folklore.

septiembre 30, 2009

Little Ashes

Publicado en Uncategorized tagged , , , a 2:52 pm por mariajosearrieta

“¡Oh Salvador Dalí, de voz aceitunada!
No elogio tu imperfecto pincel adolescente
ni tu color que ronda la color de tu tiempo,
pero alabo tus ansias de eterno limitado”.

Federico Garcí Lorca. Oda a Salvador Dalí

Existen varias películas que cuentan las historias de pintores entre ellas “Caravaggio” de Derek Jarman, “Pollock” de Ed Harris, “Van Gogh”, de Maurice Pialat, “Sobreviviendo a Picasso”, de James Ivory, y “Frida”, de Julie Taymor, entre otras. Lo que se proponen estas producciones es mostrar otra faceta de los pintores, algo de sus vidas que haya estado desconocido, y que resulta sorprendente, misterioso o intrigante, como lo fueron sus vidas.

La última película de este género, que según tengo entendido estrena a finales de este año, es “Little Ashes”, de Paul Morrison. El filme tiene como protagonista al gran maestro de la pintura, y referente indiscutible del surrealismo, Salvador Dalí, y a un grande de las letras y la poesía, Federico García Lorca. Ambos entablaron una amistad, un amor que según varios no llegó a consumarse, pero que influenció en la vida y se explayó en la obra de ambos.

La historia comienza en 1922 en la Residencia de Estudiantes de Madrid, en la cual también conocen a Luis Buñuel, cineasta español de la época que fue amigo de ambos, más de Dalí; y quien además fue quien llevó a este último a París. Básicamente se basa en el libro de Ian Gibson “Lorca-Dalí. El amor que no pudo ser”, el cual presenta esta sorprendente amistad que unió a dos eminencias de las artes, en la España del siglo XX.

Por otra parte, la película responde al nombre  de la pintura de 1927-28 de Salvador Dalí “Cenicitas” (Little Ashes), que originalmente fue llamada “El nacimiento de Venus”, y luego “Los esfuerzos estériles“, y que en el filme aparece como que se la dedica a Lorca. Actualmente se encuentra en la colección de Dalí del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Cenicitas 1927-28

Cenicitas 1927-28

Más info sobre este romance que no pudo ser en Diario de un viaje imposible

septiembre 29, 2009

Lucy in the sky

Publicado en Uncategorized tagged , , a 2:25 pm por mariajosearrieta

“Look for the girl with the sun in her eyes and she’s gone”

Según me he enterado porque lo leí por ahí, el fin de semana falleció “Lucy in the sky with diamonds”.

Sucede que cuando salió esta canción, incluida en el disco “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, en 1967, dijeron que que esa canción de Los Beatles se llamaba así por su relación con el LSD. Droga alucinógena muy popular por aquella fecha. Los dichos fueron desmentidos por los miembros de la banda, pero el mito siempre quedó, más si uno escucha la letra de la canción.

Sin embargo, esta semana salió que murió la muchacha que habría inspirado esa canción. Lo cual fue afirmado por el propio hijo de Lennon, quien aseguró que su padre se inspiró en un dibujo que él mismo hizo sobre Lucy, una compañera de clase.

La verdadera Lucy tenía unos 43 años y falleció de lupus. Julian Lennon dijo que cuando eran niños él hizo un dibujo de ella y se lo mostró a su padre “esta es Lucy en el cielo con diamantes”, y ese fue el disparo creativo de una de las canciones más populares de la banda.

agosto 24, 2009

De princesas

Publicado en Literatura, Uncategorized tagged a 3:00 am por mariajosearrieta

“Había una vez…”

Es claro que todos saben como empiezan y terminan las historias de principes y princesas, más aún, las destinadas al público infantil. Siempre son doncellas, que por el destino de la vida, conocen al príncipe azul y con ayuda del Hada madrina, y de la magia de la naturaleza y el destino logran vivir felices para siempre.

Pero más allá de lo bonito que terminan estos cuentos, noté un pequeño detalle y coincidencia en varios de ellos. Por ejemplo, en la mayoría de los casos, las princesas, doncellas – en sí las protagonistas- generalmente son huérfanas de madre. Son criadas por sus padres, y suelen tener una horrible madrastra que les hace la vida imposible. Y es entonces cuando nace la figura negativa que dennota la palabra “madrastra”.

Pero mi objetivo no es deternerme en esto, sino que mi intriga es saber por qué estos autores como Perault o los hermanos Grimm crearon relatos con una gran ausencia materna y una fuerte presencia del padre. Es que en todos los cuentos, las jóvenes carecen de una madre, el padre termina por ser un hombre trabajador y sometido, y las pobres, encima, se encuentran rodeadas de seres despiadados y envidiosos.

Ante este cuestionamiento, mi primera hipótesis fue que los escritores no habían creado fuertes lazos con sus progenitoras, y por tal motivo, estaban ausente en sus relatos, y representadas de manera negativa por la “madrastra”. No obstante, también se me ocurrió que podía ser el caso contrario: la figura materna había estado demasiado presente en sus vidas, pero la paterna no. Por lo cual, las madres estaban pero no como tales, y la figura del padre se presentaba en la historia, para suplantar una ausencia.

Buscando alguna posible respuesta me enteré que por ejemplo en el caso de los Hermanos Grimm, en el relato original de “Hansel y Grettel”, los pequeños eran abandonados por su madre. No obstante, la crítica advirtió que esto creaba una imagen negativa de esta figura y por lo tanto decidieron cambiarla por la de la “madrastra”, quizá por el hecho de que es más facil abandonar un hijo ajeno que uno propio. Aunque la realidad tenga sus excepciones. Tal vez por este mismo caso, decidieron utilizar de nuevo la imagen malvada para la “madrastra” de Cenicienta y de Blancanieves. Cabe recordar que los Hermanos Grimm escribieron sus historias basadas en relatos populares y leyendas de diversos pueblos, y de seguro eso también influenció.

En el caso de Perault, quien también tiene su versión de “La Cenicienta”, la cual es adaptada al cine por Disney, en su biografía se dice que era un niño de la aristocracia. Sin embargo, y en esto destaco, debido a la época en la que vivía, llena de hambrunas, problemas sociales y políticos, Perault le daba un final feliz a sus historias. Probablemente sea este el caso por el cual, todas empezaban de manera pesimista y terminaban “felices para siempre”, dando de este modo un halo de esperanza para la sociedad de entonces. Es la mejor explicación que encontré para semejante desdicha en el comienzo de las historias de estas jóvenes o de otras.

En cuanto a Crhistian Andersen, que entre otras cosas escribió “La Sirenita”,  se puede decir que tuvo una infancia muy pobre y cuya imaginación fue alentada por sus padres. Una buena razón para entender por qué algunos de sus cuentos son demasiados trágicos y sino lean la versión original de “La Sirenita”, que en nada se parece a la de Disney.

En fin, creo que lo que realmente buscaban estos cuentos, era mostrar cuanto hay que luchar muchas veces para ser feliz, y que se puede serlo de muchas maneras, por lo menos eso es una moraleja buena…

 

zapato2

 

julio 20, 2009

Cantando y bailando bajo la lluvia

Publicado en Uncategorized tagged , , , a 1:33 am por mariajosearrieta

“I’m signing in the rain, Just signing in the rain, what a glorious
feeling…”

En el mes de abril de 1952, se estrenó en el cine el musical “Cantando bajo la lluvia”, con los actores Gene Kelly, Donald O’Connor, y Debbie Reynolds.

Se trata de una película donde las canciones y el baile sobrepasan el argumento que -por cierto- se sitúa en los años 20, en plena aparición de las películas habladas.

Pero más allá de la historia y de la película en sí, destaco la destreza de los actores. No sólo necesitaban saber actuar, sino que estos precisaban saber de baile y canto. Una habilidad que poseen pocos y más si se trata de una danza como el zapateo americano o tap.

El musical es considerado uno de los míticos y más clásicos del cine hollywoodense. Es un imperdible para todos los seguidores de este género, y la canción “Signing in the rain”, también es infaltable para los que aprenden el baile de las chapitas en los pies

julio 18, 2009

Casablanca

Publicado en Uncategorized tagged , , , a 7:33 pm por mariajosearrieta

casablanca

“And when two lovers woo
They still say: “i love you””

Siempre escuché nombrar las frases de las escenas, la música, el nombre de los protagonistas y las críticas de “Casablanca”. No obstante –hasta ahora- nunca la había visto. No sabía de que se trataba y no estaba segura de que me fuera a gustar. Más que nada considerando que está en blanco y negro.

Sin embargo, en una tarde de invierno en la casa de mi hermana, la vi y me gustó. Escuché de mis oídos y del propio televisor las frases que todo el mundo repite como “Siempre nos quedará París”, y entendí a que hacñia alusión, que admito, hasta entonces me parecía que no tenía nada de interesante. Igual que con la “Tócala de nuevo Sam”, que en realidad es “Tócala Sam”, y escuché cual era la famosa canción de Sam y lo que esa frase significa dentro del filme.

Se puede decir que es una historia de amor un tanto clásica, con algo de acción, comedia y drama. Además de que también se ponen en juego los valores como el sacrificio y la lucha por las propias convicciones.
Pero bueno, obviamente no creo que a todos les guste o les haya gustado, porque sobre gustos no hay nada escrito; pero sí me sorprende que a pesar de que haya más de 40 generaciones de por medio, el filme me haya impactado igual, me mantuviera atrapada la hora y media que duró y haya quedada conforme con lo que vi.

En fin, creo que fue bien premiada en 1943, y que el paso del tiempo y el hecho de que se la nombre y todos sepan de que se habla, lo tiene bien merecido.

Si no la viste…

La historia se desarrolla durante la Segunda Guerra Mundial, en Casablanca (Marruecos), región neutral para el conflicto, donde todos esperan sus visas para poder marcharse hacia Portugal y de ahí hacia Estados Unidos.
En esa ciudad, el local nocturno más popular es propiedad de Rick Blaine (Humphrey Bogart), un expatriado por causas desconocidas. En el “Café de Rick”, confluye clientela de los más diversos orígenes, desde la Francia de Vichy, oficiales de la Alemania nazi, asilados políticos y ladrones. Todo tiene un curso normal hasta que una noche por obra del destino, reaparece en su vida su ex-amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman) quien le había abandonado en París sin dar explicaciones, junto a su esposo Victor Laszlo (Paul Henreid). Este último es un renombrado líder de la resistencia checa que enfrenta a los nazis. Ambos necesitan las “cartas de tránsito” para viajar hacia EEUU y continuar con la lucha, pero Rick sigue resentido con Isla por lo de París. No obstante “el amor es más fuerte”, y los ayuda a ambos a que escapen, quedando el pobre Rick con su recuerdo de París.

julio 11, 2009

Pas de deux

Publicado en Danza, Uncategorized tagged , , , a 3:00 am por mariajosearrieta

Pas de deux


“Son conscientes uno del otro. Cuando sus ojos se encuentran, parecen hablar”. Alexander Bland

Generalmente las historias de ballet clásicos tienen a doncellas encantadas, y príncipes o caballeros que las buscan y luchan (o bailan) por su amor.

En fin, el caso es que más allá de como terminan las historias -algunas con el típico vivieron felices  y otras trágicamente-, siempre dentro de la coreografía hay algo que se llama pas de deux. Que traducido quiere decir paso de a dos, o para decirlo más poético, dos  como uno.

A grandes rasgos, esto consiste en un baile de dos personas, en donde la coordinación, la  química, pero sobre todo la confianza en el otro  son indispensables para lograr transmitir la historia a los espectadores. Los bailarines pueden hacer figuras simétricas o asimétricas, y es ahí donde me fascino con la delicadeza de los movimientos y los gestos, que sumados a la música simplemente te enamoran.

Creo que en los pas de deux es donde se centra la mayor parte de la historia. Porque es allí cuando los dos bailarines principales se encuentran y se lucen con la técnica y el estilo (aunque también hay otros pas de deux que no son precisamente desarrollados por un bailarín y una bailarina). Tan es así que sólo ellos se mueve sobre el escenario,  y juntos, forman siluetas que –desde donde se lo mire-  crean una sola y perfecta figura.

Dos como uno

Volviendo al punto en que es importante la confianza para desarrollar un buen pas de deux. También se dan casos en los que el nombre de un bailarín suele estar directamente vinculado al de una bailarina.

Entre las grandes parejas que se llevaron todos los aplausos del público se encuentra la de Rudolf  Nureyev y Margot Fonteyn.  A pesar de la diferencia de edad (unos 17 años) y del mal carácter de Nureyev, los parteners llegaron a interpretar más de 20 obras juntos.

No fueron pareja en la vida real, sin embargo ambos se acompañaron no sólo en los momentos difíciles sobre el escenario, sino también en los problemas de la vida real. Según dicen sus biografías, cuando ella enfermó de cáncer, Nureyev pagó sus doctores y la visitaba constantemente, y cuando Fontayn se enteró de que su compañero tenía sida, fue ella quien le insistió para que comenzara su carrera como director.

En Argentina, por ejemplo es imposible nombrar a un Julio Bocca sin relacionarlo directamente a Eleonora Cassano. Aunque ya no bailan juntos,  compartieron cientos de escenario. Pero de ellos ampliaremos en otra oportunidad.

julio 9, 2009

Por amor al arte

Publicado en Uncategorized a 3:04 am por mariajosearrieta

“Me he inspirado en un gran número de pintores, y siempre he creído que el arte no sólo forma parte de la cultura, sino también de la vida y hay que mostrárselo a todo el mundo” YSL.

En 1965, el modisto argelino Yves Saint Laurent, creó una colección inspirada en las pinturas abstractas del artista holandés Piet Mondrian (Colección Mondrian 1965). Esta sería una de las primeras, que tomaría el arte de los grandes artistas del siglo XX, para plasmarla en sus pasarelas.

Según se relata, un regalo de navidad por parte de su madre en 1964, con las obras neoclásicas del pintor holandés, lo llevó a diseñar una decena de vestidos que replicaban el juego de líneas y colores que se manifiestan en la obra de Mondrian, y que serían el comienzo de un diálogo con el arte que recorrería gran parte de su carrera.

A la colección de 1965, le seguiría la de Pablo Picasso (1979), Henri Matisse (1981) y Vincent Van Gogh (1988). También tomó ideas de los cuadros de Andy Warhol, Georges Braque y Francisco de Goya, entre otros. Serían alrededor de 47 modelos de alta costura que se basaron en 33 obras de los artistas mencionados y que forman parte de la colección “Yves Saint Laurent. Diálogo con el arte”. Quizás, dichos diseños, se deban a que el modisto era un amante del arte. Y esto se atestigua en su colección personal, entre la cual se encontraba el cuadro “Composición con azul, rojo, amarillo y negro” (1922), de Mondrian y que fue subastado hace unos años por la casa de subasta Christie’s a 373,5 millones de euros.

Como sea que fuere, los diseñadores también hacen arte. Piensan, crean y manifiestan su visión de mundo y de belleza sobre telas y texturas que luego la gente usa, sin saber por cuanto trabajo y elaboración pasó aquello que lleva puesto.

julio 3, 2009

El paso a la inmortalidad

Publicado en Uncategorized a 11:07 pm por mariajosearrieta

“Cuando estoy sobre el escenario me siento en casa.Es allí donde vivo”. Michael Jackson

Michael Jackson

Michael Jackson

Hace practicamente una semana  atrás me enteraba de que fallecía el bien nombrado “Rey del Pop”. El acontecimiento revolucionó a todo el mundo del espectáculo y a millones de fans que “no podían parar de llorar” (cómo declaró Madonna).

Fue un personaje mediático, por sus innumerables cirugías, el cambio de color de su piel, sus escándalos, los millones que manejaba, su imagen en general, pero sobre todo por el talento como artista, que manifestaba en cada show.

Sus espectáculos eran espectáculos en serio, realmente multitudinarios y con una gran producción por detrás. No obstante, la mayor parte del mérito la tenía él, quien con sus movimientos -entre los que no podía faltar la “moon walk” o “caminata lunar”-, su vestuario sumamente llamativo y característico y su clásico grito, se llevaban constantes aplausos.

Admito que la noticia me impacto, no por el hecho de que haya sido fanática de Michael, pero sí por el hecho de que se haya muerto. La cuestión me parece que es la siguiente: la fama inmortaliza a las personas, pero cuando mueren, a pesar de que su muerte es un hecho, nos muestran el lado más vulnerable de ellos. Nos hacen comprender que todos somos humanos. La igualdad termina por alcanzarnos a todos en el mismo instante en el que morimos.

Michael murió, pero los medios siguen hablando de él. Michael murió, pero el mundo puede continuar viendo su imagen en videos, remeras, discos, y fotos. Ese es el verdadero pase a la inmortalidad, el legado que queda en este mundo de sus canciones, sus bailes, y su vida tan polémica.

mayo 28, 2009

Castagnino, Humanismo y poesía

Publicado en Biografias, Muestras tagged , , a 3:34 am por mariajosearrieta

“El creador no tiene que tener limitaciones de ninguna naturaleza”.

Juan Carlos Castagnino

muestra castagnino caraffaHasta el próximo 12 de junio en el Museo Emilio Caraffa, se puede visitar la muestra “Humanismo, poesía y representación, un recorrido por la obra de Juan Carlos Castagnino”. En la misma se transita por las pinturas, dibujos y proyectos, realizados durante 40 años, por parte de un artista que se configuró como uno de los protagonistas del muralismo durante los años 30.

En las salas 2 y 3 (en las que se expone el trabajo de Castagnino), se puede observar la preponderancia de la figura del hombre como sujeto protagonista de la sociedad. A través de bocetos y pinceladas el ser humano aparece en sus diferentes facetas, preponderantemente en el ámbito de trabajador.

Conjugando técnicas que incluyen fotografía y pintura en una sola obra, el artista manifiesta cierta sensibilidad social al mostrar acontecimientos históricos de relevancia para nuestra ciudad y para el mundo como el Cordobazo y la Guerra de Vietnam.

A quienes les gusta el arte y quieran explorar a este pintor argentino, puede hacerlo de martes a domingos de 10 a 20.

Juan Carlos Castagnino

Nacido en Mar de Plata en 1908, egresó de la Escuela Superior de Bellas Artes, se desarrolló también como arquitecto y trabajó en los talleres junto a Spilimbergo y Gómez Cornet. Comprometido con la realidad social en 1933 formó parte del primer sindicato argentino de artistas plásticos como uno de los miembros fundadores, cuya participación social se ve reflejada en gran parte de su obra. En ese periodo junto a Berni, Spilimbertgo y el mexicano Sequeiros participó en la realización de los murales de la quinta de Natalio Botana, en Don Torcuato.

Martin Fierro de Juan C. Castagnino

Martin Fierro de Juan C. Castagnino

Su obra se compone de paisajes marítimos que retratan su ciudad natal, hasta los suburbios bonaerenses, pasando por figuras de caballos y protestas sociales. Como dibujante ilustró el Martín Fierro, de la editorial Eudeba.

Obtuvo numerosos premios y reconocimientos por su obra.

Falleció en Buenos Aires el 21 de Abril de 1972.

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